La scène se déroule sous une douche, banale en apparence. Pourtant, les cris stridents d'un violon, montant crescendo, transforment cette simple douche en un moment d'horreur inoubliable. Cette scène iconique de Psychose d'Alfred Hitchcock démontre le pouvoir immense de la musique extradiégétique, un élément essentiel de l'art cinématographique.
La musique extradiégétique, par définition, est une musique que les personnages à l'écran n'entendent pas. Elle n'émane d'aucune source visible dans le monde diégétique du film. Imaginez un autoradio diffusant une chanson dans une scène de road trip : c'est de la musique diégétique, une musique qui fait partie intégrante de l'univers du film. À l'inverse, une composition orchestrale dramatique qui accompagne la révélation d'un secret est extradiégétique, ajoutant une dimension émotionnelle que les personnages ne perçoivent pas directement.
La force de la musique extradiégétique réside dans sa capacité à intensifier les émotions, à guider l'interprétation du spectateur et à enrichir la narration d'une œuvre audiovisuelle. Elle transcende le simple accompagnement sonore et devient un véritable instrument expressif, capable de révéler des aspects invisibles à l'œil nu. L'impact de la musique extradiégétique sur l'expérience du spectateur est indéniable.
Les fonctions de la musique extradiégétique : un orchestre d'émotions
La musique extradiégétique, véritable colonne vertébrale émotionnelle, remplit plusieurs fonctions essentielles au sein d'une œuvre audiovisuelle. Elle peut créer et renforcer l'atmosphère d'une scène, commenter et interpréter l'action qui se déroule, et renforcer l'identification émotionnelle du spectateur avec les personnages et l'histoire.
Créer et renforcer l'atmosphère
La musique a le pouvoir d'instaurer un climat émotionnel spécifique avant même que l'action ne se déroule pleinement. Elle prépare le spectateur à ce qui va suivre, en instillant un sentiment de joie, de tristesse, de tension, de mystère ou de toute autre émotion pertinente pour la scène. Ce procédé influence grandement la perception initiale de la scène et crée un contexte émotionnel fort, un élément clé de la narration cinématographique. La musique devient ainsi un véritable outil de mise en scène sonore.
Prenons l'exemple de l'utilisation d'instruments spécifiques pour évoquer des genres ou des cultures. L'emploi d'un sitar dans une scène se déroulant en Inde instantanément transporte le spectateur dans cet univers culturel, créant une immersion immédiate. Un leitmotiv wagnerien dans Le Seigneur des Anneaux signale la présence d'un thème ou d'un personnage particulier, créant une association mémorable et renforçant la cohérence narrative. De plus, le tempo et le registre de la musique influencent directement l'humeur du spectateur : un adagio inspire la mélancolie, tandis qu'un allegro suscite l'excitation, démontrant la puissance de la musique à manipuler les émotions.
- Un tempo lent et un registre grave peuvent évoquer la tristesse, le deuil ou la solitude, créant une atmosphère pesante.
- Un tempo rapide et un registre aigu peuvent créer un sentiment d'excitation, de panique ou d'urgence, augmentant la tension.
- L'utilisation d'instruments à cordes peut apporter une touche de romantisme, de mélancolie ou de nostalgie, soulignant les émotions des personnages.
Commenter et interpréter l'action
La musique extradiégétique ne se contente pas d'accompagner l'action visuelle, elle la commente et l'interprète activement, guidant ainsi le spectateur dans sa compréhension de l'œuvre. Elle peut révéler des émotions cachées derrière les apparences, des intentions sous-jacentes des personnages qui ne sont pas explicitement exprimées, ou même anticiper des événements futurs, créant un sentiment de suspense et d'attente. Elle offre une perspective narrative complémentaire, enrichissant l'expérience du spectateur et ajoutant des couches de sens à l'histoire.
Le contrepoint musical, par exemple, utilise une musique joyeuse dans une scène visuellement triste pour souligner l'ironie ou la résilience d'un personnage, créant un effet émotionnel complexe et ambivalent. L'utilisation de "What a Wonderful World" dans certains films de guerre en est un exemple poignant, contrastant la beauté du monde avec l'horreur du conflit. La musique peut aussi préfigurer des événements tragiques en utilisant des motifs musicaux spécifiques, créant un sentiment de fatalité et de malaise. Elle peut même exprimer l'intériorité des personnages, en rendant audible leurs pensées ou leurs sentiments que l'image ne montre pas explicitement, offrant un aperçu de leur monde intérieur.
- La dissonance peut indiquer un conflit interne, une tension relationnelle ou un danger imminent, créant un sentiment d'inconfort.
- L'harmonie peut suggérer un accord, une réconciliation ou un moment de paix, soulignant la beauté et l'espoir.
- La répétition d'un motif musical peut souligner son importance thématique, renforcer la cohérence narrative et créer une association mémorable.
Renforcer l'identification émotionnelle
La musique extradiégétique possède un pouvoir unique : celui de faciliter l'empathie du spectateur envers les personnages en intensifiant leur vécu émotionnel. En amplifiant leurs joies intenses, leurs peines profondes, leurs espoirs fragiles et leurs craintes viscérales, la musique permet au spectateur de se connecter plus profondément à eux. Elle rend leurs expériences plus palpables, plus universelles et plus accessibles, créant un lien émotionnel fort entre le spectateur et l'histoire.
L'utilisation de mélodies simples et universelles, par exemple, peut toucher un large public, transcendant les barrières culturelles et linguistiques. Des variations du thème principal peuvent illustrer l'évolution émotionnelle d'un personnage tout au long du récit, permettant au spectateur de suivre son parcours intérieur. Créer une harmonie parfaite entre la musique et le jeu des acteurs maximise l'impact émotionnel de la scène, renforçant l'immersion du spectateur et créant une expérience cinématographique inoubliable.
- Une mélodie simple et répétitive peut créer un sentiment de nostalgie, de mélancolie ou de perte, évoquant des souvenirs et des émotions profondes.
- Une mélodie complexe et riche peut exprimer une large gamme d'émotions, reflétant la complexité de l'expérience humaine.
- La synchronisation parfaite entre la musique et l'image peut renforcer l'impact émotionnel d'une scène, créant une synergie puissante entre les deux éléments.
Techniques et stylisations : explorer les nuances de l'émotion sonore
Plusieurs techniques et stylisations permettent d'explorer les nuances de l'émotion sonore dans la musique extradiégétique, permettant aux compositeurs et aux réalisateurs de manipuler les émotions du spectateur avec une précision chirurgicale. Du "Mickey Mousing" subtile à l'utilisation percutante du silence, ces techniques façonnent l'expérience émotionnelle du spectateur et contribuent à l'impact global du film.
Le "mickey mousing"
Le "Mickey Mousing", une technique controversée mais parfois efficace, consiste à synchroniser littéralement la musique avec l'action à l'écran. Chaque pas, chaque chute, chaque mouvement du personnage est souligné par un effet sonore ou un motif musical spécifique, créant une synchronicité parfaite entre la musique et l'image. Cette technique peut être efficace pour créer un effet comique ou pour renforcer l'immersion du spectateur dans l'univers du film, notamment dans les dessins animés, mais elle peut aussi sembler artificielle ou excessive si elle est utilisée de manière trop appuyée, brisant la suspension d'incrédulité.
Les dessins animés de Disney, en particulier ceux de l'âge d'or, sont des exemples emblématiques de l'utilisation du "Mickey Mousing". Dans ces films, la musique souligne chaque mouvement des personnages avec une précision méticuleuse, créant un effet synchrone et humoristique qui plaît aux jeunes spectateurs. Cependant, le "Mickey Mousing" peut aussi être utilisé de manière ironique, dans des films plus matures, pour souligner la caricature ou l'exagération d'une scène, créant un effet de décalage comique et invitant le spectateur à une lecture plus critique.
- Le "Mickey Mousing" peut être utilisé pour accentuer l'aspect comique d'une scène, créant un effet de slapstick sonore.
- Il peut également servir à créer une tension dramatique en soulignant les moments clés de l'action, augmentant le suspense et l'anticipation.
L'underlining
L'"Underlining", une technique plus subtile et raffinée, consiste à utiliser une musique discrète et continue pour souligner subtilement l'émotion d'une scène, créant une ambiance émotionnelle immersive. Contrairement au "Mickey Mousing", l'"Underlining" ne cherche pas à synchroniser la musique avec l'action de manière littérale, mais plutôt à créer une atmosphère émotionnelle globale qui soutient l'histoire, renforce le ton général et guide l'interprétation du spectateur.
La musique ambiante et atmosphérique dans les thrillers, par exemple, est un exemple typique de l'"Underlining". Cette musique crée une sensation de tension et de malaise constant, préparant le spectateur à l'arrivée imminente d'un danger, et augmentant l'anxiété. L'utilisation de cordes délicates dans les scènes romantiques renforce le sentiment de tendresse et d'intimité entre les personnages, créant une atmosphère intime et chaleureuse. Cette technique est particulièrement efficace pour renforcer l'impact émotionnel des scènes à forte charge émotionnelle.
- L'Underlining est souvent utilisé dans les scènes de suspense pour créer une atmosphère angoissante, tendue et oppressante, maintenant le spectateur sur le qui-vive.
- Il peut également être utilisé dans les scènes romantiques pour souligner la tendresse, l'intimité et la vulnérabilité entre les personnages, créant un lien émotionnel fort avec le spectateur.
Le silence
Le silence, souvent sous-estimé, est un outil narratif et émotionnel puissant, en particulier après une séquence musicale intense. Il crée un contraste saisissant qui amplifie l'impact des émotions exprimées précédemment, permettant au spectateur de digérer ce qu'il vient de voir et d'entendre. Le silence peut également servir à créer un sentiment de vide, de désespoir ou d'isolement après un événement tragique, laissant le spectateur sans voix. Ou encore, à amplifier l'anticipation avant une scène de suspense, créant une tension palpable et insoutenable.
Imaginez une scène de bataille chaotique, intense et assourdissante, suivie d'un silence soudain et total. Ce silence souligne la dévastation, la perte et le vide laissé par la violence, intensifiant l'impact émotionnel de la scène et laissant le spectateur sans voix. De même, un long silence avant un moment clé, comme la révélation d'un secret ou un affrontement décisif, crée une tension palpable, captivant l'attention du spectateur et le préparant à l'inévitable.
- Un silence inattendu peut créer un effet de surprise, de choc ou de désorientation, déstabilisant le spectateur.
- Un silence prolongé peut intensifier la tension dramatique, créant un sentiment d'attente insoutenable et augmentant l'anxiété.
Le choix des instruments et des textures sonores
Le choix des instruments (cordes, vents, percussions, instruments électroniques) et des textures sonores (dissonances, harmonies, silences) contribue de manière significative à l'impact émotionnel de la musique extradiégétique, offrant une palette d'expression infinie aux compositeurs. Chaque instrument et chaque texture sonore possède ses propres connotations émotionnelles, héritées de traditions musicales, d'associations culturelles et d'expériences personnelles, que le compositeur utilise pour créer l'effet désiré et manipuler les émotions du spectateur.
L'utilisation d'instruments à cordes évoque souvent la nostalgie, la mélancolie ou le romantisme, tandis que les instruments à vent peuvent suggérer le mystère, l'aventure ou la liberté. Les sons électroniques créent un sentiment d'aliénation, de modernité ou de dystopie. Des dissonances peuvent suggérer un conflit interne, un danger imminent ou un sentiment de malaise, tandis que les harmonies peuvent évoquer l'espoir, la réconciliation ou un sentiment de paix. La combinaison de ces éléments permet de créer des paysages sonores riches et complexes, capables de traduire une large gamme d'émotions.
- Les instruments à cordes frottées comme le violon, le violoncelle et l'alto peuvent évoquer la tristesse, la vulnérabilité ou la passion, créant une atmosphère intime et émotionnelle.
- Les cuivres comme la trompette, le cor et le trombone peuvent évoquer la grandeur, l'héroïsme ou la fanfare, créant un sentiment d'élévation et d'excitation.
Musique extradiégétique : au-delà du cinéma
La musique extradiégétique ne se limite pas au cinéma. Elle joue également un rôle crucial dans d'autres formes de médias audiovisuels, comme les jeux vidéo, la publicité et les séries télévisées, enrichissant l'expérience émotionnelle du spectateur et renforçant l'impact narratif de ces œuvres.
La musique extradiégétique dans les jeux vidéo
Dans les jeux vidéo, la musique extradiégétique enrichit l'expérience de jeu en guidant le joueur à travers le monde virtuel, en renforçant l'immersion et en intensifiant l'émotion ressentie pendant le jeu. Les bandes originales épiques des jeux de rôle créent un sentiment d'aventure, de grandeur et de liberté, tandis que la musique de suspense dans les jeux d'horreur augmente la peur, la tension et l'anxiété du joueur. En 2023, le secteur du jeu vidéo a généré près de 184 milliards de dollars de chiffre d'affaires mondial, soulignant l'importance de la musique dans cette industrie.
- La musique extradiégétique peut indiquer au joueur qu'il est sur la bonne voie, lui donnant un sentiment d'accomplissement et de progression.
- Elle peut également signaler l'approche d'un ennemi, d'un danger ou d'un moment critique, augmentant la tension et préparant le joueur à l'action.
La musique extradiégétique dans la publicité
Dans la publicité, la musique extradiégétique est stratégiquement utilisée pour créer une association émotionnelle positive avec un produit ou une marque, influençant subtilement l'attitude du consommateur. L'utilisation de chansons populaires, par exemple, attire l'attention et crée un sentiment de familiarité, de nostalgie ou d'identification, tandis que les musiques orchestrales renforcent l'image de luxe, de prestige et de sophistication. Le coût moyen d'un spot publicitaire de 30 secondes pendant le Super Bowl en 2023 était de 7 millions de dollars, témoignant de l'investissement massif des entreprises dans la musique pour maximiser l'impact de leurs publicités.
- La musique peut rendre une publicité plus mémorable, facilitant la reconnaissance de la marque et augmentant la probabilité d'achat.
- Elle peut également influencer l'attitude du consommateur envers un produit, créant un sentiment de désir, de confiance ou d'enthousiasme.
La musique extradiégétique dans les séries télévisées
Dans les séries télévisées, la musique extradiégétique est cruciale pour le développement des personnages, des arcs narratifs et l'engagement du spectateur à long terme. Des thèmes musicaux distincts sont souvent attribués à chaque personnage, reflétant leur personnalité, leur histoire et leurs motivations. Des chansons sont choisies avec soin pour accompagner les moments importants de l'intrigue, soulignant les émotions des personnages et renforçant l'impact des scènes clés. En moyenne, une série télévisée populaire peut attirer plus de 10 millions de téléspectateurs par épisode, démontrant le pouvoir de la musique à fidéliser l'audience.
- La musique extradiégétique peut aider à définir la personnalité d'un personnage, en créant une association sonore qui le rend plus reconnaissable et mémorable.
- Elle peut également signaler un changement dans l'intrigue, en créant un sentiment d'anticipation, de suspense ou de résolution.
Les compositeurs et leurs approches : maîtres de l'émotion sonore
Certains compositeurs se sont particulièrement distingués par leur maîtrise de la musique extradiégétique, laissant une empreinte indélébile sur l'histoire du cinéma et des médias audiovisuels. Leurs approches distinctes, leur talent exceptionnel et leur sensibilité artistique ont contribué à façonner notre expérience émotionnelle en tant que spectateurs, créant des œuvres mémorables qui transcendent les générations.
Focus sur des compositeurs emblématiques
Bernard Herrmann, connu pour ses collaborations avec Alfred Hitchcock, a révolutionné la musique de film en utilisant des instruments non conventionnels, des harmonies dissonantes et des motifs obsessionnels pour créer une atmosphère de suspense, de terreur et de paranoïa. Ennio Morricone, célèbre pour ses westerns spaghetti, a introduit des mélodies mémorables, des arrangements innovants et des instruments originaux (comme l'harmonica et le sifflet) pour créer des paysages sonores uniques et emblématiques. Hans Zimmer, figure emblématique du cinéma contemporain, combine des éléments électroniques, orchestraux et ethniques pour créer des paysages sonores épiques, immersifs et émotionnellement puissants. John Williams, maître incontesté des thèmes orchestraux, a composé les musiques de nombreux films cultes, créant des mélodies inoubliables qui restent gravées dans la mémoire collective. Jóhann Jóhannsson, connu pour ses compositions minimalistes et atmosphériques, a exploré les thèmes de la solitude, de la mélancolie et de la perte dans ses œuvres, créant une ambiance introspective et poignante.
- Bernard Herrmann a composé la musique de "Psychose" en 1960, une œuvre révolutionnaire qui a redéfini la musique de film d'horreur.
- Ennio Morricone a composé la musique de "Le bon, la brute et le truand" en 1966, un western spaghetti culte dont la musique est indissociable de l'image.
- John Williams a composé la musique de "Star Wars" en 1977, une saga spatiale épique dont la musique a marqué plusieurs générations de spectateurs.
Études de cas
L'analyse de films spécifiques révèle l'impact significatif de la musique extradiégétique sur l'expérience du spectateur. L'utilisation de la musique classique (notamment des œuvres de Richard Strauss et de Johann Strauss II) dans "2001, l'Odyssée de l'espace" crée un sentiment de mystère, d'immensité et de transcendance, transportant le spectateur dans un voyage cosmique qui remet en question la place de l'homme dans l'univers. L'harmonica mélancolique dans "Il était une fois dans l'Ouest" exprime la solitude, le désespoir et la nostalgie des personnages, soulignant la dureté et la violence du Far West. L'orgue majestueux dans "Interstellar" crée un sentiment d'espoir, de foi et de transcendance, accompagnant l'exploration de l'espace et du temps et suggérant l'existence d'une dimension spirituelle au-delà de la compréhension humaine.
Dans "2001, l'Odyssée de l'espace", la musique est souvent utilisée pour contraster l'immensité de l'espace, froid et indifférent, avec la petitesse de l'homme, perdu dans l'univers. Les pièces musicales choisies par Stanley Kubrick soulignent le caractère philosophique et métaphysique du film.
La musique extradiégétique, en conclusion, est un outil puissant pour amplifier l'émotion, guider l'interprétation du spectateur et enrichir l'expérience narrative des œuvres audiovisuelles. Elle permet de capturer l'invisible, de révéler les émotions cachées et de créer une connexion profonde entre le spectateur et l'œuvre. La valeur de la musique extradiégétique a fait preuve de son importance au fil des décennies. L'utilisation d'un compositeur talentueux peut coûter entre 10 000 dollars et 1 million de dollars, voire plus, selon la notoriété du compositeur et l'ampleur du projet. La musique devient ainsi partie intégrante de la narration, transportant le spectateur dans un univers sonore et émotionnel unique, et contribuant de manière significative à la réussite d'un film, d'une série ou d'un jeu vidéo.
Alors que la technologie continue d'évoluer et que de nouveaux formats émergent (réalité virtuelle, réalité augmentée, etc.), la musique extradiégétique explore de nouvelles frontières dans les médias audiovisuels contemporains. Elle s'adapte aux nouvelles plateformes, interagit avec les nouvelles formes d'interaction et continue d'enrichir notre expérience émotionnelle et narrative. Le spectateur, immergé dans cet univers sonore et visuel, prend conscience du pouvoir de la musique et apprécie son impact sur l'expérience collective du cinéma, du jeu vidéo ou de la télévision. La musique extradiégétique demeure un élément essentiel de l'art audiovisuel.